Le Théâtre de la Mode

This is one of my favorite fashion book. Not only because of the beautiful clothes, but also because of the story behind them. I saw the "Théâtre de la Mode" exhibition in Paris more than twenty years ago, but it inspires me still to this day.

This book is the catalogue for the 1990 exhibition, with beautiful photographs by David Seidner and wonderful texts by Edmonde Charles-Roux, Herbert R. Lottman, Stanley Garfinkel and Nadine Gase, published by Du May in French and Rizolli in English.

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Este es uno de mis libros de moda favoritos. No solo por los preciosos vestidos, sino por la historia que hay detrás de ellos. Ví la exposición del "Théâtre de la Mode" en París hace más de veinte años, pero a día de hoy me sigue inspirando.

Este libro es el catálogo de la exposición de 1990, con bellas fotografías de David Seidner y maravillosos textos por Edmonde Cahrles-Roux, Herbert R. Lottman, Stanley Garfinkel y Nadine Gase, publicado por Du May en francés y Rizolli en inglés.

Fashion - as any form of human creativity - is an unstoppable force. It keeps evolving through the most difficult times in History, through the falls of empires, through revolutions, invasions and wars, and is shaped by  the unavoidable social changes these bring. 

Probably nowhere has this been so true as in the modern history of France, ever since Paris became the center of fashion in the XVIIth century, due in part to the capital importance of fashion and luxury goods in French economy since the reign of Louis XIV, and in part to a certain French - or more specifically Parisian - spirit, which is not without some pride in it's (real or perceived) stylistic superiority.

Pre-revolutionary ideas influenced the clothing of the privileged upper classes of the Ancien Régime with their ideals of freedom and simplicity, and the increasingly maddening pace of changing fashions in the XVIIIth century didn't come to a stop during the revolution and the subsequent Reign of Terror, but seemed to increase in a frenzy of novelty. Napoleon's reign, the Bourbon restoration, Republics, the Second Empire, the Industrial Revolution were met with new styles and fads, focused on the even changing volume of the skirts in the second half of the XIXth century under the dictatorship of the first "couturier", Charles Frederick Worth. The Great War in 1914 put an abrupt end to the Belle Époque but not to fashion. A little milliner named Gabrielle Chanel was on her way to create the look of the new century.

In June 1940, less than a year after the beginning of the Second World War, Paris was occupied with German forces. The most necessary things were scarce or lacking, simple things as coffee, stockings or chocolate became unatainable luxury items, and shortage affected fabrics and leather which were produced in less quantity and were needed for military supplies. Attired with their simple clothes, wearing hats made with imagination and whatever material was available, messenger bags swung across the shoulder, the chic "parisiennes" travelled through the city on their bicycles and attended dimly lit dinner parties where guests shared their meagre rationing coupons. Elegance was a brave and cheeky smile in the face of adversity, a proof that they may have been conquered, but not yet vanquished.

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La moda -como cualquier forma de creatividad humana - es una fuerza imparable. sigue evolucionando a través de las más duras etapas de la Historia, a través de la caída de imperios, revoluciones, invasiones y guerras, y es moldeada por los inevitables cambios sociales que estas traen. 

Probablemente en ningún sitio ha sido esto más cierto que en la moderna historia de Francia, desde que París se erigió como centro de la moda en el siglo XVII, debido en parte a la capital importancia de la moda y los bienes de lujo en la economía francesa desde el reinado de Luis XIV, y en parte a cierto espíritu francés -o más específicamente parisino - no desprovisto de un cierto orgullo en su (real o percibida) superioridad estilística.

las ideas pre-revolucionarias influenciaron la vestimenta de las clases privilegiadas del Antiguo Régimen con sus ideales de libertad y sencillez, y el acelerado ritmo de las modas cambiantes en el siglo XVIII no paró durante la revolución y el posterior "Reindo del Terror", si no que se incrementó aún un más en un auténtico frenesí de novedades. El reino de Napoleón, la restauración de los Borbones, repúblicas, el Segundo Imperio, la Revolución Industrial dieron pié a nuevos estilos y modas, enfocados al siempre cambiante volumen de las faldas en la segunda mitad del siglo XIX, bajo la dictadura del primer "couturier", Charles Frederick Worth. La Gran Guerra en 1914 puso un abrupto final a la Belle Époque pero no a la moda. Una pequeña sombrerera llamada Gabrielle Chanel estaba encaminada a crear el "look" del nuevo siglo.

En junio de 1940, menos de un año desde el principio de la Segunda Guerra Mundial, París fue ocupada por las fuerzas alemanas. Hasta lo más necesario faltaba o escaseaba, cosas tan sencillas como el café, las medias o el chocolate se convirtieron en bienes de lujo inalcanzables, y la escasez afectaba a los tejidos o al cuero, que se producían en menos cantidad y eran necesarios para suministrar a los ejércitos. Vestidas con sus sencillas ropas, llevando sombreros hechos con imaginación y cualquier material que estuviera disponible, bolsos de bandolera cruzados sobre el hombro, las "parisiennes" chic viajaban a través de la cuidad en bicicleta y acudían a cenas escasamente iluminadas donde los invitados compartían sus cartillas de racionamiento. La elegancia era una valiente y descarada sonrisa frente a la adversidad, la prueba de que habían sido conquistadas, pero aún no vencidas.

In February 1945 Paris had been liberated for a few months already, but war was still raging in many parts of Europe, millions had died and many others had been left homeless. The winter was bitterly cold and fuel and coal were scarcer than ever. It was in this very moment of absolute deprivation that someone had an idea that only a frenchman could have. Raoul Dautry, the president of "l'Entraide Française", the organism in charge of distributing aid to the victims of the war, asked Robert Ricci, from the "Chambre Syndicale de la Haute Couture Parisienne" to plan an event that would show "the vitality that still existed in couture and the fashion industries, and that the same time would prove that these industries were committed to the plight of the needy, and ready to make a great effort to relieve them"*. 

Due to the lack of resources, it was finally decided to show the new creations of the couturiers on dolls, the small scale of which would use much less materials. The dolls, about two feet high, were designed by Eliane Bonabel, the body formed by a wire frame with plaster heads by sculptor Joan Rebull. The dolls were to be placed in sets created by important artists of the time: Christian Bérard, Jean Cocteau, Emilio Terry, Emili Grau-Sala, Louis Touchagues and many other. Seamstresses, milliners, shoe and glove makers started working eagerly, enduring the cold and the electricity shortages, making exquisite miniatures with real pockets and linings, lovingly finishing every detail of the outfits: tiny belts, brooches, flowers, umbrellas and even underwear. 

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En febrero de 1945 París había sido liberada desde hacía unos meses, pero la guerra seguía desgarrando muchas partes de Europa, millones habían muerto y otros muchos no tenían hogar. El invierno era extremadamente frío y el fuel y el carbón eran más escasos que nunca. Fue en este momento de absoluta penuria que alguien tuvo una idea que solo un francés podría tener. Raoul Dautry, el presidente de "l'Entraide Française", el organismo a cargo de distribuir las ayudas a las víctimas de la guerra, le pidió a Robert Ricci, de la "Chambre Syndicale de la Haute Couture Parisienne" que planeara un acontecimiento que mostrara "la vitalidad que aún existía en las industrias de la costura y de la moda, y que a la vez probara que estas industrias estaban comprometidas con la situación de los necesitados, y dispuestas a hacer un gran esfuerzo para aliviarla"*. 

Debido a la escasez de recursos se decidió mostrar las nuevas creaciones de los "couturiers" sobre muñecas, la reducida escala de las cuales emplearía muchos menos materiales. Las muñecas, de unos 70 cm, fueron diseñadas por Eliane Bonabel, el cuerpo formado por una estructura de alambre y con cabeza de escayola por el escultor Joan Rebull. Las muñecas se colocarían en decorados hechos por importantes artistas de la época: Christian Bérard, Jean Cocteau, Emilio Terry, Emili Grau-Sala, Louis Touchagues y otros muchos. Costureras, sombrereras, guanteros y zapateros empezaron a trabajar con entusiasmo, a pesar del frío y los cortes de electricidad, haciendo exquisitas miniaturas, completas con forros y bolsillos, acabando amorosamente cada detalle: minúsculos cinturones, broches, flores, sombrillas y hasta lencería. 

On March 27 1945 the exhibition opened at the Pavillon de Marsan. It was a huge success. It was visited by 100.000 parisians and it raised an important sum for the "Entraide Française" before travelling to London and the United States. The exhibition not only showed the vitality of French Couture to the world, to the public of Paris it meant much more, it showed them that, like a flower blooming after a long dark winter, in spite of the endless horrors of war, in spite of deprivation and loss, beauty was still possible, and it gave them back the confidence in their identity and the pride in one of their most revered national treasures: le chic parisien.

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El 27 de marzo de 1945 se inauguró la exposición en el Pavillon de Marsan. Fue un enorme éxito. Fue visitada por 100.000 parisinos y recaudó una importante suma para la "Entraide Française" antes de viajar a Londres y los Estados Unidos. La exposición no solo mostraba la vitalidad de la Alta Costura francesa al mundo, para el publico de París significaba mucho más, les mostraba que, como una flor que florece tras un largo y oscuro invierno, a pesar de los infinitos horrores de la guerra, a pesar de las penurias y las pérdidas, había sitio para la belleza, y les devolvió la confianza en su identidad y el orgullo en uno de sus más preciados tesoros nacionales: le chic parisien.

Balmain

Almost half a century later the dolls were found in the Maryhill Museum in Goldendale, Washington, and in 1990 the exhibition was brought back to Paris, to the same Pavillon de Marsan. The light were turned on again in the faithfully rebuilt sets, and the magic of fashion triumphing over the hardships of war was alive again.

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Casi medio siglo después las muñecas fueron encontradas en el Maryhill Museum en Goldendale, Washington, y en 1990 la exposición volvió a París, al mismo Pavillon de Marsan. Se volvieron a encender las luces en los decorados fielmente reconstruidos, y la magia de la moda triunfando sobre las penurias de la guerra cobró vida de nuevo.

Jean Patou, "Fleurs du Mal"

Marcel Dhorme

* Robert Ricci "Le Théatre de la Mode"

All photographs extracted from the book "Le Théatre de la Mode" (Du May/Rizzolli)

Under The Influence

As so often lately, when I saw this fashion story photographed by Steven Meisel for Vogue Italia I first loved it, but after a while the usual uncomfortable thought started to creep in. It is clear that Yves Saint Laurent's influence not only hasn't diminished after his death but it is every day stronger. Of course he put the pantsuit on the fashion map, and that can be considered a legacy, just as the leopard print (which he didn't invent, it was already used in the late XVIIIth century, but he certainly gave it a new life), the use of ethnic motifs and cultural references and his daring color combinations, only surpassed maybe by Lacroix in the 80's.

Maybe Marc Jacobs is honest when he channels YSL (his Resort 2009 collection is the clearest example, but not the only one), and maybe Frida Giannini's heavily influenced Spring 2011 collection for Gucci (1967's african collection collection, anyone?) had nothing to do with rumors at the time of Stephano Pilati's insecure position in the house (which fortunately for him turned out to be unproven), but aren't some designer going too far? Where is the line between a heartfelt tribute and a merciless re-hash? What is wrong with fashion that we can't envision something without resorting to the safety of past decades? Opinions, please.

Como tan a menudo últimamente, cuando vi este editorial fotografiado por Steven Meisel para Vogue Italia primero me encantó, pero al rato se fue infiltrando el mismo pensamiento incómodo de siempre. Está claro que la influencia de Yves Saint Laurent no solo no ha disminuido después de su muerte sino que es cada día más fuerte. Claro que él impuso el traje de pantalón, y se puede considerar un legado suyo, como el estampado de leopardo (que no inventó, ya se usaba a finales del siglo XVIII, pero sin duda le dio una nueva vida), el uso de motivos étnicos y referencias culturales y sus atrevidas mezclas de color, tal vez sólo superadas por Lacroix en los 80.

Puede que Marc Jacobs fuera sincero cuando reinterpreta a YSL (su colección Crucero 2009 es el ejemplo más claro pero no el úncio), y puede que la tremendamente influenciada colección Primavera 2011 de Frida Giannini para Gucci (la colección africana de 1967, ¿os suena?) no tuviera nada que ver con los rumores que circulaban de la insegura posición de Stephano Pilati en la casa (que afortunadamente para él resultaron no demostrarse), pero ¿no van demasiado demasiado lejos algunos diseñadores? ¿Donde está la línea entre un sentido homenaje y un despiadado refrito? ¿Qué está fallando en la moda actual para que no seamos capaces de ver algo sin recurrir a la seguridad de décadas pasadas? Opiniones, por favor.

White

I was reading Raquel's post about the relatively recent use of the white wedding dress, and it made me think about how readily we associate a color with some form of symbolism, though the same color can have completely opposite meanings in different times and cultures. White wedding dresses were even considered to be a bad omen until the XVIIIth century (it was said that Marie Antoinette wore white. Her reign was certainly unhappy and hundreds of people died during a stampede during the wedding celebrations in Paris, but I didn't find data about the color of the dress so I'm not sure), and white is the color of mourning in many asian countries. The royal custom of white mourning was started by Mary, Queen of Scots, upon the death of her husband Francis II of France, and is still continued by many royal families, one recent example being queen Fabiola. C'est chic, non?

Besides, if a white wedding is supposed to represent purity, well, frankly, nowadays...

Estaba leyendo el post de Raquel sobre el uso relativamente reciente del vestido blanco de novia, y me ha hecho pensar con que facilidad asociamos un color con algún tipo de simbolismo, aunque el mismo color puede tener significados completamente opuestos en distintas épocas y culturas. Los vestidos de novia blancos incluso se podían considerar de mal augurio hasta el siglo XVIII (se dijo que María Antonieta iba de blanco. Sin duda su reinado fue desafortunado, y cientos de personas murieron en una estampida durante las celebraciones de la boda en París, pero no he encontrado datos sobre el color del vestido, así que no estoy seguro), y el blanco es el color del luto es muchos países asiáticos. La costumbre real del luto blanco fue iniciada por María, Reina de Escocia, a la muerte de su marido Francisco II de Francia, y todavía es practicada por muchas familias reales, recientemente por la reina Fabiola. C'est chic, non?

Además, si se supone que una boda blanca representa pureza, pues francamente, hoy en día...

The Tailor

"The Tailor" by Giovanni Battista Moroni (1565/70)

I think I'm in love, too bad this cute guy lived more than 400 years ago. The severe espression with just a shadow of an ironic smile, the tired eyes (yes, fashion is hard work, believe me) with that intense gaze, the strong yet delicate hands... and he's pretty stylish, too.

"El Sastre" por Giovanni Battista Moroni (1565/70)

Creo que estoy enamorado, que pena que este chico tan mono viviera hace más de 400 años. La expresión severa con sólo la sombra de una sonrisa irónica, la ojos cansados (sí, la moda es un trabajo duro, creedme) de mirada intensa, las manos fuertes pero delicadas... y es estilosillo también.

"Sous l'Empire des Crinolines"

I forgot completely to write about one of the most interesting things about our trip to Paris... on the day we went "shopping" we went first thing in the morning to see the exhibition "Sous l'Empire des Crinolines" at the Musée Galliera. We actually had to sneak out to go and see it, which I think is stupid, because I think it was a great source of inspiration, more than going to any silly shop, but anyways...

Me olvidé completamente de escribir sobre lo más interesante de nuestro viaje a París... el día que fuimos de "shopping" fuimos por la mañana a ver la exposición "Sous l'Empire des Crinolines" en el Musée Galliera. De hecho tuvimos que ir de tapadillo, lo cual me parece estúpido porque creo que era interesante e inspirador, más que ir a cualquier tienda chorra, pero bueno...

I must say I have been fascinated by crinolines ever since I first saw "Gone With The WInd", there's something with the billowing fullness of those skirts that I find just... beautiful. Of course they're uncomfortable and unpractical, but so are 8 inch high heels, no?

Debo decir que me han fascinado los miriñaques desde que vi por primera vez "Lo que el viento se llevó", hay algo en esas vaporosas y voluminosas faldas que encuentro simplemente... bello. Claro que son incómodas y poco prácticas, pero también lo son unos tacones de 15 cm, ¿no?

The interesting thing about this exhibition, apart from showing beautiful dresses, was that it put them in context, depicting a time (between 1850 and 1870) when the concept of fashion was changing into it's modern shape, though contradictorily retaining an aesthetic from the past. Those changes had started before the French Revolution: new fashions sprang up every year, colors were favored one season and shunned the next, fashion plates circulated to show the new trends, and fashion itself started to permeate through all social classes. It was said that in the late XVIIIth century even kitchen maids in Paris were "chic".

Lo interesante de esta exposición, aparte de enseñar preciosos vestidos, era que los ponía en su contexto, mostrando una época (entre 1850 y 1870) en la que el concepto de la moda estaba tomando su forma moderna, aún reteniendo de forma contradictoria una estética del pasado. Esos cambios habían comenzado antes de la Revolución Francesa: nuevas modas aparecían cada año, el color que enloquecía una temporada estaba pasado la siguiente, láminas de moda circulaban para mostrar las nuevas tendencias, y la moda en sí empezó a calar en todas las clases sociales. Se decía que a finales del siglo XVIII hasta las sirvientas en París eran "chic".

But the changes that took place in the mid XIXth century were of a different kind.

In earlier decades more and more clothing items could be purchased over the counter, and what we now know as "separates" started to be usual item's in a lady's wardrobe. The invention of the sewing machine and the new ways of manufacturing fabrics industrialized the clothing trade. This saw an even greater development with the opening of department stores. In Paris, at the same time that Haussmann was building a new dream city for the bourgeoisie, stores like "Le Bon Marché" (the first parisian department store, opened in 1838, two decades before the medieval city was torn down to make place for the new grand avenues), "Le Printemps" (1865) and "La Paix" (1869) catered the fashion-thirsty, bourgoises and noble alike, they even gave the illusion of "faux luxe" for the less fortunate. For those who couldn't afford the heavy silks from Lyon there were "éttofes-réclame", showy fabrics at lower prices, and these early temples of consumerism didn't sell fabrics only, but put under one roof everything that small "boutiques" had to offer: parasols, gloves, fabric flowers, ribbons, stockings, shoes, perfumes and what-not.

Pero los cambios ocurridos a mediados del siglo XIX eran de otro tipo.

En décadas anteriores cada vez más artículos de vestir se podían comprar en tiendas, y lo que ahora se conoce como "separates" empezaron a ser comunes en el vestuario de una señora. La invención de la máquina de coser y las nuevas formas de tejer industrializaron el sector de la confección. Esto se desarrolló aún más con la apertura de los grandes almacenes. En París, a la vez que Haussmann estaba construyendo la cuidad ideal para la burguesía, almacenes como "Le Bon Marché" (el primer almacén parisino, abierto en 1838, dos decadas antes de que la cuidad medieval fuera derribada para dejar paso a las grandes avenidas), "Le Printemps" (1865) y "La Paix" (1869) atendían las necesidades de burguesas y nobles sedientas de moda, incluso daban la ilusión del "faux luxe" a las menos afortunadas. Para las que no podían pagar las pesadas sedas de Lyon había "éttofes-réclame", tejidos aparentes a precios más bajos, y en esos primeros templos del consumismo no se vendía sólo tela, sino que bajo un mismo techo se podía encontrar todo lo que las pequeñas "boutiques" podían ofrecer: parasoles, guantes, flores artificiales, cintas, medias, calzado, perfume y demás.

Another change, on the opposite side of the spectrum, was the rise of the fashion designer as renown artist instead of obscure artisan (with the exception only of Rose Bertin, Marie Antoinette's "Ministre de la Mode"). Charles Frederick Worth was the first dressmaker to use models to show his creations, and the first to put a label with his name inside his garments. He was also the first to gain international fame, dressing not only the Empress Eugénie and princess Metternich, but also the fashionable and wealthy from as far as New York or Buenos Aires. It would be another few decades, however, until the time of Poiret and Chanel, that fashion designers could step up from the status of mere suppliers and gain enough social recognition to mingle with their famous clients. But that's another story...

Otro cambio, en el polo opuesto, fue el nacimiento del diseñador de moda como artista reconocido, y no sólo como mero artesano (con la única excepción de Rose Bertin, la "Ministre de la Mode" de María Antonieta). Charles Frederick Worth fue el primer modista en usar modelos para mostrar sus creaciones, y el primero en poner una etiqueta son su nombre en las prendas. Fue también el primero en conseguir fama internacional, vistiendo no solo a la Emperatriz Eugenia y a la princesa Metternich, sino también a las ricas y elegantes que llegaban desde tan lejos como Nueva York o Buenos Aires. Aún así, tendrían que pasar varias décadas, hasta la época de Poiret y Chanel, para que los diseñadores ascendieran del status de meros proveedores y ganaran suficiente reconocimiento social para codearse con sus famosas clientas. Pero esa es otra historia...

Dear Darwin

The other day I was thinking about this evolutionary thing: Did mankind start having less body hair (well... some still have quite a lot) because they wore clothes, or did they start wearing clothes because they had less and less body hair? Animals with little or no hair only live in very hot climates, and it it usually admitted that that is where mankind originated, but why did such a physically unprepared species like us dominate the whole planet, under every possible climate? I suppose that as our ancestors migrated to colder areas they realized they could use skins of other animals to cover their bodies to protect them from the weather, but how did this idea originally come by? Many animals build shelters and nests, some even very complex structures (as complex as a skyscraper in some cases), all animals have some way of communication, some of them very close to language, but as far as I can think of we are the only species to cover or adorn our bodies. 

So here is my point: clothing is consubtantial to the evolution and very existence of mankind, and since clothing had to evolve somehow, mostly to avoid us from becoming extinct from sheer boredom, fashion itself is a key element of our evolution... and some still say it is shallow, ha!

Any anthropologist in the room?

El otro día estaba pensando en esto de la evolución: ¿Empezó la humanidad a tener menos vello (bueno... algunos todavía tienen bastante) porque llevaban ropa, o empezaron a llevar ropa porque tenían cada vez menos vello? Los animales con poco o nada de pelo solo viven en climas muy cálidos, y está admitido que ahí está la cuna de la humanidad, ¿pero como ha llegado una especia tan poco preparada físicamente como nosotros a dominar todo el planeta, bajo cualquier clima posible? Supongo que nuestros antepasados, al migrar a zonas más frías, se dieron cuenta que podían usar pieles de otros animales para cubrir sus cuerpos y protegerlos, ¿pero como se originó esta idea? Muchos animales construyen madrigueras y nidos, incluso estructuras complejas (a veces tan complejas como rascacielos), y todos los animales tienes alguna forma de comunicación, algunas muy cercanas al lenguaje, pero que yo sepa somos la única especie que cubre y adorna sus cuerpos. 

Así que esta es mi conclusión: vestirse es consubstancial con la evolución y la existencia misma de la humanidad, y como la vestimenta tenía que evolucionar de algún modo, más que nada para evitar que nos extinguiéramos por aburrimiento, la moda en sí es un elemento clave de nuestra evolución... y aún dicen que es frívola ¡ja!

¿Algún antropólogo en la sala?

Portrait of a Lady

The other day I went to the Prado with a friend see "The Renaissance Portrait" exhibition, which showed works from 1400 to 1600. One thing I love about portraits is the feeling of intimacy with the sitter, the knowledge that this person actually lived at a certain time of history, had the same joys and griefs as us, had a name, a family, loves, interests, dislikes, everything that makes us human, and yet lived in a completely different society as us. And of course I am fascinated with the clothes, because what a person chose to wear to have a portrait taken was probable a favorite outfit, or at least one that conveyed what that person wished to be his or her image for posterity.

One of my favorite paintings in this exhibit is this portrait of an unknown lady by Hans Holbein, painted around 1527/28. The lady most probably lived in England, as her ermine headdress seems to have been fashionable at the time in that country (a similar one is seen in another portrait by Holbein). The contrast between the precious headdress and the simple but elegant dark dress is striking, austere and luxurious at a time... and I'm sure her ears were nice and warm!

El otro día fui al Prado con una amiga para ver la exposición "El Retrato del Renacimiento", que muestra obras de entre 1400 y 1600. Una cosa que me encanta de los retratos es la sensación de intimidad con el modelo, el saber que esa persona vivió en una momento de la historia, tenía las mismas alegrías y penas que nosotros, tenía nombre, familia, amores, intereses, manías, todo lo que nos hace humanos, y aún así vivían en una sociedad completamente distinta a la nuestra. Y por supuesto me fascina la ropa, porque lo que una persona elegía par ser retratada era probablemente un atuendo favorito, o al menos uno que transmitía lo que querían que fuera su imagen para la posteridad.

Uno de mis cuadros preferidos de esta exposición es este retrato de una dama desconocida por Hans Holbein, pintado hacia 1527/28. Esta dama probablemente vivía en Inglaterra, ya que su tocado de armiño parece haber estado entonces de moda en ese país (se puede ver uno similar en otro retrato de Holbein). El contraste entre el precioso tocado y sencillo pero elegante vestido es llamativo, austero y lujoso a la vez... ¡y estoy seguro de que tenía las orejas bien calentitas!

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Thank you Lady Lala for this award... I feel honored. As usual I find it too difficult to award others in turn, so I'll dedicate it to all my fellow bloggers and all my faithful visitors, with love.

Gracias Lady Lala por este premio, me siento honrado. Como siempre me cuesta demasiado premiar o otros a mi vez, así que se lo dedico a los compañeros blogueros y mis fieles vistantes, con cariño.

Te be or not to be... fashionable!

In "Hamlet", when Laertes is taking leave of his family to return to France, Polonius (among other fatherly recommendations) tells him:

"Costly thy habit as your purse can buy,

But not expressed in fancy; rich, not gaudy;

For the apparel oft proclaims the man."

A wise fashion advice, as good then as now. For a man of high birth in Elizabethan England being fashionable was no small business, as can be seen in this miniatures by Nicholas Hillier, a self-portrait and portraits of two of his trendy friends.

En "Hamlet", cuando Laertes se despide su familia para volver a Francia, Polonio (entre otras recomendaciones paternales) le dice:

"No gastes en vestir más de lo que posees,

pero viste buenas hechuras. Busca calidad, no ostentación,

puesto que el traje delata a quién lo lleva."

Un sabio consejo sobre moda, tan bueno ahora como entonces. Para un hombre de noble cuna en la Inglaterra isabelina ir a la moda no era pequeña tarea, como se puede ver en estas miniaturas de Nicholas Hillier, un autorretrato y retratos de dos de sus amigos "trendy".

Oh Jackie!

Jackie Kennedy won her place as one of the most influential twentieth century fashion icons with her sense of style and her flawlessly groomed "chic", though personally I find her elegance somewhat shallow. 

Her public persona was carefully staged for a perfect performance as happy wife (?), young mother and ideal First Lady of a modern and cultivated America. Her clothes were the costumes for the character she created, often copies or bought at stores that had license to reproduce parisian designs, sometimes the real thing (as the infamous pink Chanel she wore in Dallas).

Jackie Kennedy se ganó su sitio como uno de los iconos de moda más influyentes del siglo XX con su sentido del estilo y su "chic" pulido al máximo, aunque personalmente encuentro su elegancia algo superficial.

Su personaje público era una cuidadosamente montada puesta en escena como esposa feliz (?), madre joven y Primera Dama ideal de una moderna y culta América. Sus atuendos eran el vestuario para el papel que se había creado, a menudo copias o comprados en tiendas que tenían licencia para reproducir modelos parisinos, a veces lo auténtico (como el malhadado Chanel rosa que llevó en Dallas).

Inaugural 

For the Inaugural Ball in January 1961, Jackie wore an Ivory silk double twill satin gown designed by Oleg Cassini, reminiscent of her french heritage and her love of History and the XVIIIth century, though it bears some similitude to an inaccurate "stolen" sketch of Balanciaga's design for Queen Fabiola's wedding dress published in a fashion magazine.

Para el Baile Inaugural en enero de 1961, Jackie lució un vestido en satén doble twill de seda diseñado por Oleg Cassini, con referencias a sus raíces francesas y su amor por la Historia y el siglo XVIII, aunque guarda cierta semejanza con un boceto inexacto "robado" de un diseño de Balenciaga para el vestido de novia de la Reina Fabiola publicado en una revista de moda.

Canada

On her first official voyage outside the United States she chose a Pierre Cardin suit she had purchased 5 years earlier. Note the theatrical use of red to match the Mounted Police's uniform and the detail of the interlocked straps in the back of the jacket.

En su primer viaje oficial fuera de los Estados Unidos eligió un traje de Pierre Cardin que había adquirido 5 años antes. Fijaos en el uso teatral del rojo para conjuntar con los uniformes de la Policía Montada y en el detalle de las trabillas entrelazadas en la espalda de la chaqueta.

Paris

For day, a apparenly simple suit in salt-and-pepper wool tweed from "Chez Ninon"...

Para el día, un aparentemente sencillo traje de tweed de lana Sal y pimienta de "Chez Ninon"...

... for dinner at Versailles, a silk "Ziberline" gown by Givenchy embroidered by Hurel and Alexandre de Paris hairstyle. 

... para la cena en Versailles, un vestido de "Ziberline" de seda de Givenchy bordado por Hurel y peinado de Alexandre de Paris.

Vatican

For a private audience with John XXIII, Oleg Cassini designed an austere black wool and silk "Alaskine" dress inspired by XVIIth century Spain.

Para una audiencia privada con Juan XXIII, Oleg Cassini diseño un austero vestido de "Alaskine" de lana y seda negro, inspirado por la España del siglo XVII.

India

Her wardrobe for her semi-official tour in 1961 (she travelled with her sister Lee Radziwill) was designed in the bright colors typical of the host country, though the cut was contemporary and chic. On her arrival in Dehli she wore a hot pink Rajah coat in wool and silk "Alaskine", by Oleg Cassini, and a matching wide brimmed boater to protect her from the Indian sun, designed by Roy Halston for Bergdorf and Goodman.

Su vestuario para la gira semi-oficial de 1961 (viajaba acompañada de su hermana Lee Radziwill) estaba diseñada en los brillantes colores del país anfitrión, aunque el corte era chic y contemporáneo. A su llegada a Dehli llevaba un abrico "Rajá" en "Alaskine" de lana y seda rosa vivo, de Oleg Cassini, un un sombrero de ala ancha a juego para protejerla del cálido sol indio, diseñado por Roy Halston para Bergdorf and Goodman.

Pakistan

A glamorous camel ride in a Gustave Tassell silk matelassé dress...

Un glamuroso paseo en camello con un vestido de seda matelassé de Gustave Tassell...

London

For luncheon with Queen Elizabeth II Jackie wore a dress and jacket outfit in red wool bouclé by Hubert de Givenchy.

Para una comida con la Reina Isabel II Jackie llevó un conjunto de vestido y chaqueta en lana bouclé roja de Hubert de Givenchy.

Washington

For a dinner to honor president of Ivory Coast Félix Houphouët-Boigny in May 1962, Oleg Cassini made a embroidered tulle dress after a design by Karl Lagerfeld for Jean Patou. Madame Houphouët-Boigny, known as the "African Jackie", was dressed in Pierre Balmain.

Para una cena en honor del presidente de Costa de Marfil Félix Houphouët-Boigny en mayo de 1962, Oleg Cassini hizo un vestido de tul bordado basado en un diseño de Karl lagerfeld para Jean Patou. Madame Houphouët-Boigny, conocida como la "Jackie Africana", iba de Pierre Balmain.

Mexico

Azure crepe "Giselle" dress by Oleg Cassini, inspired by Givenchy. Jackie wore the dress the same year at a dinner hosted by Ambassador Howard Beale.

Vestido en crepe "Giselle" celeste de Oleg Cassini, inspirado por Givenchy. Jackie llevó el vestido el mismo año en una cena ofrecida por el Embajador Howard Beale.

Soundtrack: Anita O'Day sings "Blue Champagne" and "Indian Summer".

Banda Sonora: Anita O'Day canta "Blue Champagne" y "Indian Summer".

Bibliography: "Jackie Kennedy, The White House Years" by Hamish Bowles.

Vive la Reine!

One of my favorite movies last year was Sophia Coppola's "Marie-Antoinette". I know some people hated it, and the last thing I want is to start a heated argument, I'll just say I saw it 3 times and enjoyed each one of them. Maybe partly because I have a special affinity with the unfortunate last Queen of France because she was beheaded exactly 175 years before I was born! 

In 1783 Marie Louise Élisabeth Vigée-Lebrun portrayed Marie-Antoinette wearing the famous "chemise dress" designed by Rose Bertin, which was deemed so scandalous at the time that a second portrait had to be painted with the Queen wearing a proper court dress. The "austrian" was a trendsetter, in those days fashion travelled from Court to street, not the other way around...

Allegedly her last words as she climbed on the scaffold and stepped on her executioner's foot were: "I beg your pardon, monsieur, I did not do it on purpose"... it might just be a myth, but isn't it grand?

Una de mis películas favoritas del año pasado fue "María-Antonieta" de Sophia Coppola. Ya sé que algunos la han odiado y lo último que quiero es empezar una polémica, sólo diré que la he visto 3 veces y he disfrutado cada una de ellas. Quizás en parte porque tengo una afinidad especial con la desafortunada última Reina de Francia ¡ya que fue decapitada exactamente 175 años antes de nacer yo!

En 1783 Marie Louise Élisabeth Vigée-Lebrun retrató a María-Antonieta luciendo la famosa "robe chemise" diseñada por Rose Bertin, lo cual fué tan escandaloso para su época que se tuvo que pintar un segundo retrato de la Reina con un adecuado vestido de corte. La "austríaca" era una precursora, en esos días la moda iba de la corte a la calle, y no al revés...

Se dice que sus últimas palabras al subir al cadalso, cuando pisó el pie del verdugo, fueron: "Le pido perdón, monsieur, lo hice sin querer"... puede que solo sea un mito, ¿pero no es regio?

Soundtrack: "Dopo notte, atra e funesta" from Handel's "Ariodante".

After black and gloomy night

the sun shines brighter in the sky...

Banda sonora: "Dopo notte, atra e funesta" del "Ariodante" de Haendel.

Tras esta noche oscura y funesta

luce en el cielo más brillante el sol...

Buttons - Botones

Buttons started to be used for fastening in Europe around the XIIIth century, and I once read an interesting theory about why men's garments fasten from left to right and women's fasten the other way:

Men's clothes have historically tended to be more simple, and men had to be able to dress themselves, not only because they led more independent lives, but also for practical reasons (a soldier had to fasten his own doublet, and pants need to open in front, obviously). They would find it easier to hold the overlapping part of the garment with their left hand and manipulate the button through the buttonholes with the right, making the garment fasten left to right.

On the other hand women's clothes were much more elaborate and often fastened in the back, and usually needed the help of a chamber-maid, who would also hold the overlap with her left hand and fasten the buttons with her right, but on an other person, making the garment fasten right over left.

I don't know if this is true or not, maybe you have your own theory?

Los botones se empezaron a utilizar para abrochar en Europa alrededor del siglo XIII, y una vez leí una interesante teoría sobre porqué las prendas masculinas se abrochan de izquierda a derecha y las femeninas al revés:

Las prendas masculinas históricamente han tendido a ser más sencillas, y los hombres tenían que poder vestirse solos, no sólo por su forma de vida más independiente sino también por razones prácticas (un soldado tenía que abrochar su propia casaca y los pantalones se tienen que abrir por delante, claro está). Les resultaría más fácil sostener la parte de la prenda que cruza con la izquierda y pasar el botón por el ojal con la derecha, haciendo que la prenda se cierre de izquierda a derecha.

La ropa femenina en cambio era más complicada y a menudo se abrochaba en la espalda, y solía requerir la ayuda de una doncella, que también sostendría el cruce con la izquierda y abrocharía los botones con la derecha, pero sobre otra persona, haciendo que la prenda cierre de derecha a izquierda.

No sé si será verdad ¿tal vez tienes tu propia teoría?